ARTIST • LU XIAOFENG
卢晓峰
▼
···
ARTIST • LU XIAOFENG
他系列
▼
《他系列》组画是在秋天开始画的，当时是2016年的夏天，我们几个朋友加司机六个人开着车一路从山东去了山西、陕西、甘肃、青海，在那儿转了九天左右。
他系列之一 70x50cm 纸本 2016年
模特是和我们一起的青年书法家小庄，这一系列作品是根据他的形象创作的。画这系列作品的时候，我正想在语言上做稍微调整，因为之前的作品画得太过平淡，说得简单一点，就是太把人当作人去画了。作为观众来看一幅画的时候，认为就要把一个人画成一个人的样子，看着也比较舒服的。但是当把画人当作一个职业来对待，每天都机械地重复一样的画法时会感到非常枯燥，而且缺少乐趣。画画需要经常调整自己的绘画语言，这样画起来才会有乐趣，才能持久的继续做这件事。
他系列之二 70x50cm 纸本 2016年
当时对伦勃朗特别感兴趣，我从他的油画，特别是素描中，吸收了好多营养。我特别喜欢他画的素描，他运用的光影并不是我们初学画画时老师教的那种，要照顾整体关系，三大面、五大调子、亮部、暗部，中间色调一定要分的清楚。我发现他的光影运用非常自由，整个明暗关系也不会按照某一个固定光源来处理，完全是根据需要处理，很像我们中国的散点透视，或者说从心所欲不逾矩。
有时候我们评价西方的绘画，都会给它下一个比较僵化的概念，要使用焦点透视、用固定的光源。其实我们看大师的绘画作品，他们完全不按这个套路来。任何一种艺术或者技术，到最后反而不去考虑套路化的东西，把一招一式学完之后，再把它们忘记，最后无招胜有招。
他系列之三 70x50cm 纸本 2016年
带着这样的想法，开始了这趟旅程，在这个过程中，因为小庄的形象特别好看，从绘画角度来说非常入画。所以当时在车上、包括在旅馆里时，画了一些他的速写，以前画速写的时候很少用调子，之后发现只用线描绘还是少了些东西，就把调子运用上了。因为调子可以营造明暗关系、光影的变化，营造出很多用线达不到的氛围和效果。
他系列之四 70x50cm 纸本 2016年
当时的旅途对我来说是特别珍贵的，因为平时都在画画，这场旅行打断了我的正常生活，使我可以停下来跳出原来的生活范围，脑子也就更加清醒了。
他系列之五 70x50cm 纸本 2016年
旅途中针对小庄画了些速写、拍了照片，包括在车上的各种场景，有他睡觉的、睁着眼的、摆拍的，形象都非常生动，特别能勾起人绘画的欲望。回来之后就开始着手画，接小庄的形象做一些实验，开始的时候没想要画太大尺幅的，也没想画全身，想先画一个头，在头上做文章，打破惯有的绘画操作方式，更加准确的是一种观察或思维方式，做一些改变或者说是破坏，把原来那种相对完整、相对套路化的画法硬性的切断一下，从里面寻找新的可能。
他系列之六 70x50cm 纸本 2016年
在画的过程中，几乎每一张画，无论是色调还是表现形式，特别是明暗灰关系的安排上都做了一些调整，找不到两张完全一样的色调关系。可能单纯看的时候不会感觉到这些，但是如果把画解剖开来，把绘画构成元素单独拆解开来看的话，就能看到这个关系。特别是光影的变化，有时候我会把额头处理成一个重的，把颧骨、下巴、脖子处理成亮的。有时候会把关系反过来，脸的左半部分是黑的，右半部分是亮的。有时候整个脸是亮的，背景是黑的，或者整个脸是黑的，背景是亮的，做了好多尝试，逼迫着自己打破以前绘画的一些禁忌。每个人无论做什么事情都有一个习惯，这个习惯慢慢就养成肌肉记忆或者说思维的固化方式，做这件事情的时候不由自主的就会按照套路去做。其实画画也是这样，尤其是在处理色调关系的时候，我们可以找一个画家的作品观察，把它解剖来看它的色调关系，有时候从额头到鼻子、到嘴、脖子中间交界线会重一些，亮部处理的少一点，暗部处理的多一点。大部分画家的画，拿出十个头来看话，排除掉形象的不同，从抽象的色调关系来看其实是一样的，这样画起来相对保险一点，能够画成一张很完整、很有把握的画，但这样失去了绘画的一些意外性和乐趣。
他系列之七 70x50cm 纸本 2016年
画一个头像本身牵连关系少，布局相对单纯一点，思维面可以扩的更广一些，能够发现许多新的可能。画大画的时候，很难做一些突破性特别大的尝试，因为风险太大，画坏了整张画就废了。而且大画修改的余地要少一点，它不像小画，画废一点可以把其他地方修补完整，或者组成另外一张很有意思的画。每一个画家的每一次突破，多多少少都有这种意外性，尤其在山水画里更加明显，在人物画里面相对少一点，所以我就把这个思路转嫁到人物画里面，营造一种将错就错的感觉。
他系列之八 70x50cm 纸本 2016年
完成这些作品之后，我通常将其扔一边，隔一段时间再拿出来看， 这张画和自己的关系要疏远一些，这样看会更理性一点，它的优点、缺点会更客观地呈现出来。这个系列也是这样，里面尝试性的东西有很多，尤其在色调关系上反差太大，觉得很不适应、也不舒服，隔段时间拿出来再看发现这组画对我来说价值还挺大，因为它开启了很多新的可能，发现原来还可以这样处理画面关系。在思维方式上开辟新的可能，逐步摆脱程式化的东西，或者说画起来更自由一点。
我觉得自由是画画非常好的、非常可贵的状态，是很多画家一直在努力追求的一种境界，说起来很容易，但是画起来很难。我画画也是一步一步从受法约束到形成一种肌肉记忆或者本能反应，看到什么东西就不用再去考虑怎么画的状态，觉得这笔自然应该那样走，这样画起来会特别自由。
他系列之九 70x50cm 纸本 2016年
这组画的优点是在色调关系上有了很大的突破，最主要的是在思想上打破原有的禁忌，创造了新的可能。在这组头像画好之后，还用小庄做模特画了四张接近全身的像《卡卡西系列》，在这个基础上继续往下延伸，把在头像上得到的启示转嫁到全身像里面，画全身像牵扯的问题会更多，比单纯画一个头像更难 。值得说明的是从头像到全身像、到后面的群像，这个关系一直都在。
例如在一个头像上我会把上半部分的脸画成重的，下半部分留成白的，当转嫁到整个人身上的时候，我会把腿画成白的，整个上半身都画成黑的，或者整个左边画成白的右边是黑的，从上到下、从左到右不停的有这种明暗变化。这给我开启了一个新的表现领域或者新的可能，转嫁到群像上来也是这样，例如中国的传统山水，像李成、范宽、王蒙等等，西方的油画像伦勃朗、鲁本斯、凡戴克都是这样的。尤其是素描草图我们更能看出这种变化，整个大场景里面有二三十个人，可能有十个人处在一个亮的里边，另外十个人处在一个暗的里边。 作品从60cm乘40cm会扩大到6m乘4m，甚至60m乘40m的画。人由一个头扩展到几十个人甚至上百人，但是关系其实是一样的，由小见大，把思想里边的一些禁忌打开之后就会一通百通。
他系列之十 70x50cm 纸本 2016年
之前有个展览展出了几幅头像作品，我在展厅里仔细观察寻找它的优缺点，看有什么地方值得保留、有吸引力，第二遍完全站在一个对立的角度来找它的缺点，尤其是看自己的画的时候。在展厅里看自己的画和在画室里是完全不一样的，画和作者的关系会疏远一些 。
他系列之十一 70x50cm 纸本 2016年
中国画的用笔是以写为主，笔笔分明，哪怕不停的积墨、积色，但是积的每一层在用笔上都会起、承、转、合，有一个比较明确的、很肯定的用笔路径，或者说下笔方式。但这组画太注意色彩和光影的关系，很多用笔不是特别清晰。从那之后，我又做过一些用笔的尝试，去一个朋友那里借了几张张志民先生的山水画，在画室临了两天，练勾线从起到转，那两天收获特别大，后面把它放到人物画里再做调整，用笔就清晰很多，克服了《他系列》里用笔上问题 。
这个系列还有一个很重要的收获，在色彩上对干笔的运用有了新的体会，之前都是打湿了趁湿画，后来发现伦勃朗把干的和湿的结合起来，头发胡子包括脸上干笔效果特别好，所以决定用干笔试一下，包括在用笔上用了油画笔 ，适合干皴。这组画里面也用了好多干的油画笔的笔触，特别头发上，干湿放在一起，对比效果特别好，黄宾虹曾经说过“干裂秋风润含春雨”，就是这个意思。
他系列之十二 70x50cm 纸本 2016年
这个系列，从开始产生到画的过程中最大的体会是画画可以更加自由。只要把规律性的东西把握好，怎么画都可以，画的越自由想的越少。尤其是别人来分析你的画，他会发现很多无法用规律性或程式性去概括的东西。我看一些大师的作品时，可能刚找到某一张画的规律，到下一张却又完全颠覆，找不到套路和规律，这让人很困惑 ，但也让你由衷地敬佩，更加去喜欢这个人的画。最近三个月，自己对于绘画又有了新的认识，更加自由，少去想而去多做，只要功夫下到了，自然而然就会出效果。
每年都会画一些小画，都是针对某一个问题去画的，有时候是针对色调、颜色，有时候针对用笔，我觉得这是一种很有效的提出问题解决问题的方式。
400 - 0531 - 114
