中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
▲北宋 范宽《雪景寒林图》
笔墨浓重润泽，皴擦多于渲染，层次分明而浑然一体。
1、欣赏作品要看气韵
早在1500年前，南齐的谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术达到的最高境界，也是品评、赏析中国画的主要原则。
气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家在创作中追求的最高目标，也成为中国画品赏的主要准则。
▲北宋 范宽《雪山萧寺图》
以水墨染出阴翳的天空，山石皴笔不多而气象雄浑。
总之，气韵生动是绘画的一种整体感应，是一种精神透析，是一种生命状态领悟。好的作品总是伴随着气韵而生，历史上流传下来的佳作，都具备气韵生动的特点。
▲北宋 巨然《秋山问道图》
图中上部，主峰高耸，几出画外，但其势柔婉，与北方画派的坚凝、雄强显然不同。画法方面，谁能用淡墨长披麻皴，不为奇峭。
2、欣赏作品要看笔墨
“六法”中，谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。
中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以面作画易于模糊、平板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说，线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。
▲明 吴伟《江山渔乐图》
此画在空间处理上，前实而浓重，远景虚淡，更接近真实的自然风景，表现的是江南的秀色和渔民生活。江边高树坡石，其上远山层叠，江中渔舟有停泊，一幅秀润美丽的江山渔乐图卷。
用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。
▲明 李在《阔渚晴峰图》
作品取全景式山水，气势宏阔，皴笔细密扎实，墨韵浑厚，画树木呈“蟹爪枝”状，是典型的北派山水面貌。
笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔，或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汗水浇灌的结果。
▲明 唐寅《落霞孤鹜图》
画法工整，山石轮廓用较干笔皴擦点染，线条变幻流畅，风格潇洒苍秀，构图不落俗套。
中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么，中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。
▲明 吴伟《灞桥风雪图》
灞桥在陕西长安县东，亦称霸桥，唐人送别者多于此折柳相赠，有“灞桥折柳”典故。此画在艺术表现上，用侧锋卧笔，线条粗简，水墨淋漓，一次皴染，颇得气势。
在中国画创作过程中，始终离不开墨。用墨有几种主要方法，泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法、蘸墨法，等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处，在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的好，“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。
▲唐 王维《江干雪霁图卷》
王维的水墨画风，几乎影响着中唐以后的山水画发展的历史。苏轼的“诗中有画，画中有诗”的赞语，奠定了王维在中国绘画史上的地位。
3、欣赏作品要看构图、形式
中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一样，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇特或平庸，构图至为关键。
▲明 唐寅《湖山一览图》
全图景物处置洗练而谨严，墨色和泽有神，所绘景色，荡漾着一股秀美的生活气氛，内容和形式互相渗透，融而为一。
构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入“理”。
中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。中国画多采用“三七停”起手法则，多把主体物象放在三七点上，对打破均衡，匀称起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视觉美感。
▲明 朱端《烟江远眺图》
画家将北宋郭熙山水的雄奇、繁复、精密等特点与南宋院体山水的简洁、空旷、疏朗等格局有机结合起来，创造了有别于宋代院体的明代院体画风。
中国画博大精深，源远流长，融诗、书、印于一炉。宋人邓椿说：“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易，能创作出一两件与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，越雷池甚远也不行；不师古人不行，师古不化也不行；不师自然、不师心不行，走捷径、搞旁门左道更不行。
绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品，黄修复则强调“逸、神、妙、能”四格，张彦远定了“自然、神、妙、精、谨细”五品级。不论是神行逸后，还是逸先神后，都说明中国画始终追逐着高品位，充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。
▲董源《寒林重汀图》
此图表现江南水乡风景。整幅画面以湿墨擦染而出，予人以一望无尽之感。
看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“六法”精论，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法憾动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。
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