我用一枝大笔画荷叶下柔细的水草。朋友说：“若不是亲见，我绝不信这水草是用如此巨笔画出来的。”我说：“我也没事先想好要这么画，只是以巨笔泼出了荷叶，觉得顺手，状态松弛，就忘了换笔，顺势写草，竟得如此柔润挺拔之势，若真换成小笔，未必有此气象了。”水墨的魅力就在于此，往往出乎意料，又在情理之中。
范治斌作品 《泼彩荷花》01 2017年
该作品摘录自艺盘范治斌——精品展示
上课与学生交流。学生问：“你画了那么多画，哪来的时间？”我说：“你们这代人生活在一个信息异常发达的时代，所有新鲜事物夺人眼球，充满诱惑，每件事情你们都分点心出来，画画的时间就可想而知了。我们这代人包括前辈，物质和精神的消费渠道相对狭窄，但却造就了对某一事业的静心执着。我画那么多画就是专一的结果。”
写生时，学生说：“自然景物这么庞杂，眼睛都看花了，不知从何下手。”我说：“是的，我也一样，这就是自然。你需要静下心来发现感染你的那些景物，哪怕只是一朵野花，都要有欲罢不能的描绘冲动。”画与自然的区别就在于提炼和简化，所有的美都蕴藏其中，画者是在以自己的心性感悟来印证自然之美，这就是中得心源。
一个画家的一生会创作无数作品，这些作品包括不成熟期和成熟期。成熟期又有新的探索和变法，不同的状态也会导致水准差异巨大的作品产生，因此，在评价一个画家的贡献时，应坚持一种向上看的原则，即，画家最好的作品能到什么程度，如果在其时段领域内无人超越，那就是大师，即使他们也会有一些劣作行世。
范治斌作品 《泼彩荷花》02 2017年
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关于钱和纸的关系，有朋友做过一个试验：把钱平铺于纸上，一千元等于1.14平尺，也就是说，如果画家把画价定在千元每平尺，并被买家接受，那么画家就是在画钱。而千元每平尺对如今随便一个画家而言都不值一提。但我们不能把画价与艺术水准对等，也许，有的画家能挣许多钱，都成了生意，却与艺术无关。
好的水墨都有一种过程的美感蕴含其中。完成的水墨是作为过程的结束而展现全部，但有素养的观者在品味时，往往会读出画者作画时的过程之美。画者用笔、用墨的驶转徐疾、内敛奔放，色墨交融时的氤氲流淌，其韵律之美一一闪过脑际，动人心弦。如果说完成的作品是属于历史的存在，那么过程的美则是属于诗的范畴。
艺术的表现语言虽具魅力，但却是有限的。如水墨，我们怎样用它去表现照透花瓣的闪亮阳光，或是清溪下随波荡漾的碧绿水草，抑或是暗夜中一株更加黑暗的树木？凡此生活中的种种，用心感受，化为鲜活的感悟，存于个体精神之中，即使我们不能画它们出来，但个体精神的厚度已然是每件艺术品的精神支撑了。
你是否在春天俯身凝看一朵野花承载的晶莹剔透的露水？你是否在盛夏凝视一树浓阴中透下点点斑驳的阳光？你是否在清秋仰头，注视过蓝天之上卷舒的云朵？你是否在严寒中惊喜于门窗之上变幻万千的绝美窗花？世间的万物之美，可以让每个热爱生活的人动容，艺术，蕴于生活，也因生活而鲜活。
范治斌作品 《灵山多秀色》 2017年
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与友交流，说到艺术中情感地释放，如对被描绘的景物如何的吸引留恋。但我突然想到，这只是情感的一种方式，情感，不仅包括正面的内容，同样也包含负面的内容。喜爱，会让人激动，但讨厌也会让人激动。一般的作品，皆因喜爱而去描绘，但也有另一种情况，如美国抽象派画家德库宁的作品，似乎充满了仇恨。
我有一盆芦荟，养在画室的角落里，它掩映在其他草木中，安静地生长。我偶尔浇水，并不曾在意它的姿态。一天，我搬它出来，其姿态令我吃惊。若非亲眼所见，没有人相信它竟会长成了一盆茁壮的独具味道的“吊兰”。我决定就按养吊兰的方式来养，置它于高架上，期待着它的未来，就像我对每个不循规蹈矩的画者的期许。
没有世人共认的好作品，因为这样的结果几乎不存在。但好的作品一定是能感染自己和一部分看到它的人。正如一位智者所言：“好作品可以让一位敏锐的欣赏者脱离自己而进入作品中，令那份孤立的自我感完全消失。”当然，作品与观者是种缘分，情真实妙的作品如遇到没有精神储备的人，就像明珠暗投，是件凄凉的事。
绘画追求的境界之一，在于获得内心的充盈。学画的过程是一个驾驭画面由简入繁的过程，能使画面丰富，是技巧的充分体现，但画面丰富，并不等同于心灵获得同样的充盈感。内心的充盈，跟意境有关。对意境的追求，往往又是由繁入简的过程。简到最后，数语胜过千言，一切动人之美无需赘语，尽在意念回旋之中。
范治斌作品 《此情曾有几人知》 2017年
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同一件绘画作品，不同观者的差异性感受是一种常态。但墨守成规的作品，观者的趋同性认知较高。对于具有创造力的作品，由于缺少评判的标准，会导致多元的认知结果。卢沉看齐白石的花卉草虫，极工细与极粗放在同一画面里极不协调。而我觉得，这种强烈的对比美，是没有先例的创造，是画家匠心独具的结果。
水墨中的细笔与粗笔是两种意趣追求。细，贵在轻松而不腻俗；粗，虽逸笔草草却情韵丰满。细腻地描绘，能做到精微已不是易事，而粗犷的表达，却需兼具细腻的心灵和奔放的情怀，才能使放浪恣肆的笔墨控制于精妙之间。细笔是由表及里的细，粗笔是表面上的粗，感受时的细。总之，这些都要获得心灵的细才能品味和追求。
范治斌作品 《只此浮生是梦中》 2017年
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我把水墨画里的线条画得毛茸茸的，就像是油画中的颜料积起厚度，让木刻里的世界黑白分明一样。它们呈现出的美是画种本质的美，是第一位的美。如果我们陶醉于其中，是看懂了这种美有如美酒，沁人心脾。如果放弃了本质的美，美将变成简单的，所有的艺术都将没有什么不同。
为了与众不同而猎奇般地选择某一题材和感于物、生乎情地描绘某一题材是不同的。前一种的目的在于标新立异，出发点不纯粹源于心性使然，功用性明显。后一种则来自于情绪的自然流淌，水到渠成。我倾向于后一种绘画状态，它不在于题材的出位，而在于品格的不俗。被画烂了的题材，能画出别样的新颖，才真精彩。
艺术之美，在于差别。每个艺术家之间都有所不同，一个画家的每件作品也要尽量有所不同，才能成就真的艺术。《芥子园画谱》作为传统教材，程式化技巧一览无余，但以其作范本的近现代大师各个风格鲜明，卓然独立。人的悟性至关重要，每个画者都有所传承，但真正的大家是那些突破者，其最终确立的是自我的面貌。
艺术中的真善美，善自不必说，但真和美并不总是共存的。距离产生美，欣赏一朵初开的花，那种美在于我们与花的距离，如果摘它回去它就死了，看一片草原，远看绿油油的很美，置身其中，则会发现里面尽是牲畜的粪便和蚊虫。美是守望中一厢情愿地对真的部分的放弃，是情感的调节性选择，一旦没有距离，则只剩下赤裸的真实。
范治斌作品 《筑云在人境》 2017年
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初中时，我做过一个梦。梦中我伏案作画，忽然，一位白衣长髯、鹤发童颜的长者飘然而至，看着我开怀大笑，亲切至极。他说，我来教你。遂重新铺纸濡墨，为我画了一枝竹子，并授以诸多笔法。醒来后，竟觉梦中发生的一切清晰无比，所有细节历历在目，如临真境，以致我情愿相信，那一幕在我真实的生活里曾经发生过。
我收起了刚画完的一张画，在桌上又铺开一张洁白的宣纸。此时，我的心漾起微澜，这又将开始新一次的精神畅游。纸，安静如水，像有生命一般，期待着华彩披身。我不知这一生会多少次铺展画纸，用心去完成每张画，无论画得多么痛苦或者幸福。画家与纸，是另一种爱情，发生在艺术里的痛和快乐，共同承载，一生一世。
我认真而充满激情地画一张画，结果出乎我的意料，画坏了。朋友问：“很久没有画坏了吧？”我说：“真是，画坏对我来说也许是个警醒，画坏往往有求新的因素，有更多的思考，不是按部就班的出牌。”友问：“你沮丧吗？”我说：“当然，不过也没什么。放下那张坏的，思考一下，重新拿纸来画，如果能满意，则意味着新的突破。”
把一件事做到尽善尽美，是每个有心人的祈愿。但事实上，我们可能只是趋近于完美，并会在事情的结尾处感到或多或少无法挽回的遗憾。在绘画领域里，我是个追求完美的画者，但多年的实践使我意识到，我们都受限于自我，即使一时感到相对完美，但随后的自我突破又使之不复存在。也许，完美只是虚幻的假想。
范治斌作品 《陕北赵家洼写生》03 2017年
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与朋友聊到灵感，友言其灵感在九到十一月，而且怎么画怎么成，其他时段就混日子了。我听懵了，也不知他何以把灵感能分出时段，像一季花朵一般。我的灵感等不来也没等过。有次，在身心俱疲时拿起笔，结果越画越起劲儿，如有神助，由此我知道，我的灵感藏在了我随时动笔的时刻，不经意间就会跳出来带给我惊喜。
孩提时，爱画画的童心是一样的，我能看到最天真烂漫的想象和最无拘无束的描写。我在想，那些稚拙的笔触何以能如此感人？也许就是因为一颗从未被污染的纯净的心吧。成年后，世间的好坏善恶全部涌向人心，使每颗心都不同，杂念丛生。面对绘画，或许还是爱的，但由欲望的主导终会使画面杂质充溢，纯粹荡然。
日前，去朋友的种植基地参观，见一盆蕙兰花开素雅，生机勃勃，心生赞叹。友欲送之，欣然笑纳。为我打包时，我问工人怎样养它？他说要用纯净水浇灌。我问为何？他说：“自来水含碱太多，如浇灌就不会是这个样子了。”这使我想到水墨也须同样的讲究，品质的差异不是大概，而须细究，好材质才是好艺术的根本起点。
作画有两种心态，一种是面对自己内心，以心灵的需要为导向；一种是满足他者需求，以别人的意志为转移。以内心之需，作画则十分纯粹，即使画面简而又简，却单纯干净，只要达到追求的意境，不必期待观者是否叫好。以他者的要求，往往不能尽抒胸臆，即使画面丰富充盈，作品的神情却也多了些搔首弄姿的做作。
范治斌作品 《春雨欲晴时》 2017年
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灵感是即将进入某种美好状态的开始，它看似来自偶然，实则是累积到一定程度以至迸发的结果。灵感首先需要内心对目标的渴望，即使坐着，看到一朵花开，一滴雨落，聆听悦耳的禽鸣，动人的乐音，灵感之门会悄然开启。有时，灵感需要去寻找，你并不知什么会走进画面，而当你突然面对时，便豁然而知，就是它了。
水墨课为学生作示范，画毕，学生说：“和老师比我们简直画得太差了。”我乐了，回道：“虽说‘弟子不必不如师’，但你们才刚开始，而我已经画了几十年。记得我还是学生时，见老师们妙笔生花，很是崇敬。这么多年下来，自己笔耕不辍，终有自家面目，也从没想过与老师比。耕耘，只需与自己的过去比，就不会失去信心。”
水墨讲贯气，即一气呵成之感。一气，一口气呵成，立即完成，形容作品全局通畅，有如行云流水般的自在与无碍。如能做到从落笔到收笔，中间不停顿地完成一张水墨而且画出精彩，当然了不起，但大多数时候，在画的过程里还是要停下来思考，甚至，当拿出以前的作品修改时，依然能做到贯气，这才是难得的水墨修养。
完成一张作品，坐下来与友交流。友问：“每张你认可的作品都是你满意的吗?”我答：“不是，每张作品都或多或少会有一些遗憾。”问：“为什么有遗憾？”答：“水墨不容修改，过程里难免有不到位的表达。”问：“观者能看出你为之感到遗憾的地方吗？”答：“作品与观者会产生全新的互动，欣赏或遗憾都不会与我对作品的认知相同。”
范治斌作品 《大吉》 2017年
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水墨在描绘山石树木、花鸟鱼虫这类题材时，能充分地释放出材质的美感，获得丰厚的精神语义，表现出完美的契合性。传统水墨发展到今天，在山水花鸟领域达到的艺术高度，后人很难超越。面对新的题材，如林立的高楼，时尚的妆容服饰等，水墨与之能有完美的契合吗？肯定有，这也是现代水墨一个重要的探索方向。
朋友问：“大家比较熟知你的人物画，但你又画风景和花鸟，你定位自己为一个人物画家吗？”答：“不，我是因感动而去描绘，感动我的不止有人，自然万物都可能是我灵感的源泉。从造型角度来说，人也许更复杂，因此，能画人物就更不用说会画其他。但除了造型，绘画还需更多其他的修养，我希望自己是修养全面的画家。“
画画时，朋友在旁边看，说：”我感觉你画得这样轻松，我也有尝试的想法，可一拿笔画，就全没了感觉，如何才能做到像你这样？“我答：”轻松的状态，我在画的时候并没感觉到，是自然而然的流露。但我也是从你的状态过渡到现在这样，其实，积累是关键。“问：”最好的状态是怎样的？“答：”我也不知，还得看作品，作品使状态不言而喻。
一个山水画家或花鸟画家去画一张人物画时，我想是困难的。而一个人物画家若去画山水和花鸟，应是相对容易的。从造型的角度说，人物最难。当具备了好的造型能力，面对自然景物中的山川草木时，有感而发地写生即可随手拈来而成佳作。当然，能画和画得好又是两回事，艺术的品味最终体现在个体的综合修养之上了。
范治斌作品 《古意四君子——竹》 2017年
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朋友看我作画，觉我动作酣畅淋漓，问：“你有表演的成分吗？”答：“你这一问，我倒在乎起我的动作了。其实，是类似技法画多了，手熟而已。”问：“这是好的状态吗？”答：“也是，因为这是锤炼之后的状态，又不是，因为熟练才能不假思索，用笔熟滑。若能由熟而生，又会有新境界，所以，一个状态蕴含两种倾向，须认真对待。”
人们常说的“技艺”，我理解的是技巧在一定高度上的艺术。广义上讲，技艺在各个门类都适用，如“庖丁解牛”、“卖油翁倒油”的故事，都是“无它，唯手熟尔”的高层次技艺。绘画中的千锤百炼，也可使腕下妙笔生花。齐白石画虾，是最“技艺”的，说他寄寓了怎样的人文精神，未免牵强，其技巧达到的高度本身就是一种精神。
绘画中的技巧是重要的，一张作品是否感染人，除情感外，跟技巧的好坏有直接关系。我们常赞美朴素，需知朴素的美在绘画中也是需要修炼才能获得的，是画家终其一生追逐而未必可得的“返璞归真”、“大美无华”。至于无技巧的技巧，则是技巧集大成之后的融会贯通，有若功夫里的四两拨千斤，是举重若轻的大本事。
范治斌作品 《方知不染心》 2017年
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近日，整理画室才发现，画废的作品数量之多令我惊讶。平素画画时，当然希望每一张都能成功，但实际上有多数都失败了，甚至之前觉得尚好的，如今再看却令我怅然。其实，仔细想想，也不足为奇，多少个日夜浸淫于此，不曾懈怠，所有真正的前行与进步恰恰仰仗于这般点滴的累积，直至废画三千也不过是又一个新起点而已。
偶然性在生命中是绝对的。我们的生命来自于父母，但父母的相遇并最终结合充满了偶然性，直至我们的出生也源于一次情爱的偶然。我们的成长充满更多的变数，甚至我一气呵成和分多次地画完一张画也会全然不同。生命按时间的排序一直往前走，不倒退，也不能重新选择，所以我们对其中的种种偶然选择了忽略。
面对素净的画纸，让自己的精神扑进去，溶在水墨的天地里，任由情绪的漂游。绘画有它自己的力量，会带着画者向前行走，到底会走向哪里，我不知道。我把自己交给它，把对纷繁生活的点滴感受凝固在画里，并用它来完善自己。人生是不断积累的过程，我希望我走在画里，慢慢成熟。不论结局，只需真诚地面对。
上课给学生做示范，我的所有手法都一览无余。学生问，同样的工具材料，怎么我一画就乱了呢？我说，无他，只是我已经画了无数遍，而你才开始。这其实是个简单的道理，不管你有多笨或多聪明，如不实践，就不会有变化，但有量的积累，则迟早会发生质变。现代人生活内容丰富，能坚持一样到底的则越来越少了。
范治斌作品 《蜻蜓》 2017年
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生活中总有些微妙精细的东西令我着迷，使我不忍心放弃对其细节做深入的描绘。譬如一只蜻蜓，我曾把它放在手心仔细端详，它长得真是精细，翅膀的纹理简直就像用极细的墨线条勾勒出一般。我看齐白石画的蜻蜓，其工细的画法也有如影像的翻版。这表现出了一种认知——真实的描绘即可视为完美的艺术加工。
形式是绘画重要的部分，它直接影响审美主体的内心感受。形式包括两个方面，一是画面本身所具有的形式美，作品中点线面构图色彩等所具有的不同特质与趣味，还有作品的形状，如长方扇面等，共同构成画面形式审美的主体。其二，则是展示方式的形式美感，它与作品相得益彰，为观者带来丰富的视觉与心理感受。
面对自然，写生能给予画者的，是此情，此景，此时，此刻。这不同于安居室内的精心创作，需要苦心经营，需要深思熟虑。写生则全在那一刻的怦然心动，可以稍有所思，更可能不假思索，可以稍做停顿，更可能一鼓作气。以心会物，放笔直取，直至完成，不过短短几个时辰，其魅力，是其他绘画方式所不能比拟的。
我们所学的技巧，都须在新的实践里得到印证，并被赋予生气。就犹如我们遍临古画，芥子园，所体悟到的一切，需要应用于自己的作品中，使之具有“我”的气息。写生是获得“自我”的一个重要途径。那些所学，就像单字，像词组，写生时，像语法，像修辞，把字词组织起来，以情感为由，说出自己的语言来……
范治斌 1972年12月生于内蒙古呼和浩特市，1995年毕业于南开大学东方艺术系中国画专业，师从范曾、郑庆衡等先生，获学士学位。2002年毕业于鲁迅美术学院中国人物画工作室，师从赵奇、李征、李岩诸先生获硕士学位。2010年就读中国艺术研究院攻读博士，师从冯远先生。2013年毕业于中国艺术研究院，获博士学位。
中国美术家协会会员，任教于北京师范大学艺术学院美术系，硕士研究生导师，陕西省国画院青年画院院长，河北师范大学美术学院、安徽大学艺术学院、湖北师范学院美术学院、新疆教育学院美术学院客座教授
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