早在刘宋之际，王微在其《叙画》中指出，欣赏山水画应有“望秋云，神飞扬；临春风，思浩荡”的想象愉悦，要使欣赏者达到这般畅神的地步，需要创作者在创作作品时“明神降之”。强调了创作构思和创作时情感投入的重要性，从而指出了山水画抒情达意的本质。“以情入画”是山水画创作的主线。历代山水画家都把山水画作为抒发自己对人生所感所叹的载体。“观山则情满于山，观海则意溢于海”“心如春江水，心随江花起”……人忘怀于天地自然间，与自然相随相融，从而精神得以自由畅达，所以才能够“望秋云，神飞扬；临春风，思浩荡”。
多年来，一直执着于山水画创作与研究的王兴印对山水画“以情入画”的本质有着深刻的认识，他说“如果是思想的压抑，我会去画画，如果是思想的苦闷，我还会去画画。”的确，王兴印在创作时，就是在或急或缓的一点一划的抒写与泼洒中，慢慢将自己内心的情感与思绪表达出来。比如，他的《秋水寒鸦》系列，画面上那黑黑的密林、奋飞而起的鸟儿、阴晦的天空都在暗示着某种压抑性。画家自己认为那正是他当时心境的真实写照，他说“我更得意于我所表现出来的那片山林，以及透过密林的狭缝所呈现的鸟儿，黑乎乎浑然一体，我为之清醒。我以为绘画首先是为了满足自己，然后再去打动别人，取得欣赏者的同感和共鸣，其同感的获得取决于我内心情感表达的程度。”由此可以看出，王兴印的创作是根据其内心情感的需要来建构的，画面上的笔墨、色彩、造型等的语言符号，会随着情绪的变化、情感的起伏而不同。如他的《写心山水系列》，在情思表达上就与《秋水寒鸦》系列不同，它表现的是画家轻松愉悦、忘情于山水间的心态。因此，画面上水墨淋漓、笔致松动、色彩亮丽、生活气息浓厚。再如《山光》《庭院》等作品则给人以美好喜悦的感觉，这种感觉是通过田园式的构图结景与明丽柔和的色调来实现的。当然，其构图上的变化也是多样的，因着心境的不同，画面上时而高山大水、时而小桥流水、时而山野农户、时而亭台园榭……变化甚是丰富。真可谓是情变景变境亦变！
提到某个人的山水画作品时，人们首先想到的是他的师承渊源，继而是写生创新情况，并由其在这两方面所达到的深度来评价其作品的高下。王兴印在传统与创新这两方面都是颇下了一番功夫的。首先，他笃爱传统，无论上学时候还是工作期间，他都未间断过对传统的研究学习，不断向传统的腹地推进。他不但临摹过大量的历代山水画经典作品，还研读了许多经典专业书籍，在掌握丰富的传统山水画技法的同时，更从理论的高度来解读传统、领悟传统。所以，他对传统的学习不是表面的，而是以悟得深层次的传统山水精神宗旨。在明白了山水画“所变者体貌，不变者精神”的主旨后，王兴印更渴望能用自己的方式来表达自己的情感。
艺术来源于生活，有没有写生常常是评价一个人的作品是否创新的重要标志，但并不是所有的写生都能带来艺术上的推陈出新，也就是说只有符合艺术规律的写生才能成就一个画家。对于已从事山水画学习创作多年的王兴印来说，是深明白这个道理的。大量的学习研究后，他领悟到山水画写生要“对景造意”。傅抱石先生曾说过“对景造意，不是无景造象，也不是对景造形，造意而后，自然写意。”是由景而至情、由情而至境、由境而至画。所以，好的山水画写生不是死记硬背，也不是照抄自然，而是画家触景生情，进而概括提炼，进行艺术加工，从而诉诸于笔端形成作品，这也是中国山水画写生——创作的基本规律。王兴印的写生作品是符合这种艺术规律要求的。比如，他画《秋水寒鸦》，就是来源于太行山写生所感，他说“在细雨绵绵的太行山中，我看到一群群黑色的鸟儿，它们扇动着沉重而有力的翅膀，有时缓慢而富有节奏。透过浓重的雨雾和叠积的烟霭，冲自己喜爱的树林飞去，这是它们的栖息地。它们有目的，是一群不离不散的鸟。对着望着，谁也不愿意离开这片山林。随时能调节人们的疲惫身心，给山林里带来了无限欢乐，它们就像一个个激昂而闪烁的音符在山间穿行。而那树就像黑色的火焰在燃烧，熊熊不息，令人激动不已。”作品饱含了作者的真情实感，所以感人至深。王兴印其他的写生作品也如《秋水寒鸦》一样，蕴含着画家对自然与生活的深刻体验以及浓浓的情意。
在对传统与生活进行深研的同时，王兴印更注重于山水画新形式的探索，他坚信“笔墨当随时代”，并积极主动地向同时代的优秀画家学习。他研究过姚鸣京、张捷、王兴堂，吸收他们绘画语言的某些特点同自己的绘画结合起来，形成一种新的东西，表达一种新的意境。在跟随张志民先生读艺术硕士后，王兴印又吸收了导师的豪放大气、泼墨淋漓、自由奔放的特点，其作品也随之越来越有韵味，境界更大、笔墨更放、画面更厚、自主意识更强。艺无止境，相信王兴印从艺的道路越走越宽广！
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